树脂雕塑论文

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罗马雕刻家除了表现统帅、英雄人物、全家群像、夫妇合像、单人墓碑像外，还在罗马的建筑、广场、纪念柱等上面装饰了许多圆雕和浮雕。三世纪较有名的建筑为塞普提米乌斯、谢维路斯凯旋门和卡拉卡拉的公共浴室。古罗马雕塑是西方古代文明的重要组成部分，它对西方现实主义雕刻的发展作出了杰出的贡献。

历史上一般称欧洲的封建社会为“中世纪”，艺术史上把古罗马以后到文艺复兴前这段时间的西方艺术称为“中古世纪的艺术”，它延续了1200年左右。在中世纪的欧洲，基督教成为封建统治的有力支柱。因此，欧洲中世纪的雕塑主要为基督教服务。中世纪盛期的文化艺术，经历了罗马式时期和哥特式时期。教堂建筑成为当时主要艺术载体，许多优秀雕刻家从事教堂建筑的装饰雕塑和内部陈列的圆雕工作。法国的安高莱姆教堂，康城的三圣教堂，德国盖因拉德的圣基列阿教堂中的许多雕刻，都具有代表性。
罗马式教堂以其坚厚、敦实的形体显示教会的威力，哥特式教堂以其灵巧、尖挺的上升力量控制观者的精神感情。教堂建筑中彩色玻璃窗画的明暗变化，各色各样轻巧玲陇的雕花图案和壁上的雕塑，都有助于加强宗教神秘的气氛。哥特式教堂代表了中世纪建筑艺术的最高成就，如著名的巴黎圣母院、沙脱尔教堂、理姆斯教堂等，都是哥特式教堂。而哥特式雕塑则基本上代表了中世纪保守落后的宗教艺术。
14世纪的法国雕塑中，哥特式艺术反映现实倾向增强，对人物姿态、表情、形体等方面开始夸张强调，为宗教服务的哥特式雕塑开始出现了新兴资产阶级艺术的萌芽。中世纪的雕塑有精华有糟粕，许多作品中充满迷信、荒诞的宗教内容，但从艺术遗产的角度来看，当时的雕塑家们也创造了不少属于人民的、有积极因素的好作品，在世界美术史上占有相当重要的位置。

从15世纪后半叶开始一直16世纪，文艺复兴文化在欧洲许多国家产生和形成。在欧洲的许多先进国家里，文化艺术达到了高度繁荣，文艺复兴掀起了欧洲文化艺术发展的一个高峰。文艺复兴文化是反对封建宗教的文化，提倡复兴希腊罗马古典文化，起领导作用的是正在形成中的资产阶级。文艺复兴时期的雕刻，继承并发展了希腊、罗马雕刻艺术的传统，使雕刻艺术达到了高度繁荣，文艺复兴时期的著名雕刻家，差不多都集中在佛罗伦萨。最先出现的雕刻大师是季培尔蒂，佛罗伦萨洗礼堂的两扇青铜大门上的装饰浮雕是他的代表作。伟大的雕刻家米开朗基罗把这两扇大门赞誉为“天堂之门”。同一个时期的伟大雕刻家还有多那泰罗、委罗齐奥等。而米开朗基罗的出现，则标志着文艺复兴时期的雕刻艺术发展到了最高峰。他们以写实的手法，用准确的人体解剖学，塑造人物形象，使人的形态有很强的力度感，以雕刻的艺术语言塑造传神的形象和高度的技巧手法。文艺复兴时期的雕刻艺术对后期的雕刻家有极大的影响。

西方中世纪和文艺复兴时期油画多有于取材古希腊神话(及其发展--古罗马神话)的，而在西方雕塑发展史上，古希腊雕塑代表着一种美学高度。希腊艺术家确立规范和原则，对后世西方艺术创作产生了深远影响，文艺复兴时期和新古典主义的雕塑艺术就以其为标杆。古希腊的艺术家确定了最美的人体的原则。公元前4世纪的希腊古艺术家波利克里托斯是第一个“规范”了“美”的艺术家，他从纯数学理论角度，计算出一个做为人类身材范本的男士应该具有的身材比例。他是“黄金分割律”的鼻祖。并且，评判他人、修炼自己的身材仪容也成为古希腊人的习惯。“苏格拉底一贯认为：凡是身材不佳、仪容不整的人都是没有公共精神、不积极参与公共事务的人。在苏格拉底的眼里，公民身材肥硕问题属于公共事务的范畴，而肥胖也是政治问题。”尼采就曾说过，要在“身体上做一个古希腊人”。有意思的是，如果不是马其顿亚历山大大帝东侵印度，将雕塑艺术带到恒河流域，恐怕流传到东方各国的佛教也就不会有后来繁荣不已的造像艺术(云冈，龙门，莫高窟，巴米扬大佛...)，甚至在佛教、道教(借鉴了佛教的传教形式)的寺庙里也不会供奉着偶像。因为，古印度的宗教传统里是不崇尚偶像崇拜的。坦胸露乳的佛像，恐怕也只能来源于古希腊的文明吧！

【吻】 "Le Baiser"

奥古斯特．罗丹（法国，1840~1917）
罗丹是法国的著名雕塑家，创作风格深受米开朗基罗影响，擅长人物、情感及动态的深入刻画。「吻」是罗丹众多的知名作品中，少数能与「沉思者」相提并论的名作；藉由罗丹这件神来之作，但丁「神曲」里保罗与法兰契斯卡的悲剧爱情，得以感性地呈现出刹那间的永恒

【遗弃】 "L'abandon"
卡蜜儿．克劳戴（法国，1861~1943）
1886年与卡蜜儿热恋中的罗丹完成名作「吻」，两年后卡蜜儿完成了「遗弃」的陶塑原模。此作取材自印度爱情神话，原名「沙昆达娜」，又名「委身」，后才更名为「遗弃」；作品的易名道尽了卡蜜儿与罗丹的恋情始末，此作也彷佛影射罗丹跪在被遗弃的卡蜜儿面前请求宽恕。奇美收藏的是，出卡蜜儿在1910年法国艺术家沙龙展中的参展原作，系为1905年铸铜而成。

【人型的橱柜】 "Cabinet Anthropomorphoque"
萨尔瓦多．达利（西班牙，1904~1989）
达利的创作特色是将现实世界中的实体任意地扭曲变形，他在「米罗的维纳斯」一作中认为身体是有好几部分的，并可分开抽出来，而此作「人形的橱柜」他亦是秉持着这个观念，将人体的身体化为许多抽屉，可说是达利作品中相当典型的创作.

【洗脚的女郎】 "Femme se lavant jambe gauche"
艾德嘉．窦加（法国，1834~1917）
艾德嘉．窦加受印象派的影响，整个作品在每个不同的角度中，均呈现出一种多变的不安定感。窦加把女与椅子表现得相当独特，尤其是披挂在椅子上的衣物相当抽象，反观女郎面前的水桶，却相当写实，如此极端的两种风格，在窦加独具用心的诠释下，展露出无与伦比的完美组合。
【铁修斯战胜半人半马的怪兽】
"Thésée combatant centaure Biénor"
安端-路易．巴里 （法国，1795~1875）
巴里是十九世纪中叶法国最重要的动物雕塑家。此作的石膏原型曾在1850 年的法国艺术家沙龙展中展出。半人半马的怪兽（Centaure）和Lapithes 族人的争战是古典艺术中常常取材的主题，它也文明战胜野蛮的象征。此作品系由 Barbedienne所翻制，有 Barye 1860之签名，是最原始的大尺寸（当时仅铸作两件），也是巴里生前所有创作售价纪录最昂贵之作。现今典藏于纽约大都会博物馆及罗浮宫的同尺寸作品皆为巴里死后才翻铸而成。

【人体】 "Torso"
亚历山大．阿基边克（俄裔美籍，1887~1964）
二十世纪初至第一次世界大战前的十五年间，欧洲艺坛出现了两个代表现代造型理念的艺术理念，分别是野兽派及立体派。阿基边克是立体派重要雕塑家。立体派有感于非洲艺术单纯造型的美感，正如此像以极简练的几何造型呈现女性胴体，作品透露理性、纯粹的美感。此作完成于1914年，正值阿基边克的创作盛期.

【弓箭手】 "Tireur à l’are"
皮耶．勒．法居叶兹（法国，1892年出生）
装饰艺术（Art Deco）于1920年代、1930年代出现于欧美各地，它注重感官趣味，崇尚唯美，创造了前所未有的视觉飨宴。皮耶．勒．法居叶兹是法国极为成功的装饰艺术风格代表之一，他以象牙、青铜、银、石头等多媒材成功地刻划出一位古罗马造型的战士，简洁有力的线条，勾勒出战士拉弓时，力道强劲的优美站姿，充分展现装饰艺术力与美的极致。

【加拉蒂与海豚】 "Galatea Riding a Dolphin"
安西里欧尼（意大利，1832~1894）
在此作中加拉蒂丰腴的胴体扭曲斜倚着海豚，卷曲的秀发随风飘扬，造型动感十足；加拉蒂身上有许多雕刀刻出的细微纹样，或线条、或点状，在腹部、肘部、脚关节各处，类似真人肌肤上的肌理质感，使整个雕像栩栩如生。为了凸显女海神的主题，底座的石材特意挑选一满布细纹的大理石，彷佛海中起伏的波浪，遨游其上的海豚也呼应了主题，使作品充满了活力与生气。
【奥塞罗】 "Othello"
皮耶多．卡尔威（意大利，1833~1884）
意大利雕塑家卡尔威以创作莎翁剧中人物而闻名，奥赛罗是莎翁四大悲剧中的主题人物，乃为十五世纪来自非洲的摩尔人，高居将军之位而遭嫉，遂在误杀妻子后也自杀身亡。作者以首位演出此角色的男性演员为模特色，而于1869年完成此尊结合青铜与大理石的杰作。

【苏珊】 "SUZON"
奥古斯特．罗丹（法国，1840~1917）
罗丹（1840~1917）近代雕塑之父。他用黏土，青铜和大理石，以前所未有的坦率，直接刻画平凡尘世的激情、痛苦情思欲念，他的艺术所展现出的时代性与浪漫气质是雕塑史上的一个高峰。漫长的艺术人生里他深受米开朗基罗，印象派及当代文豪雨果‧波特莱尔的影响。
1870年进入卡里埃．贝流兹（Carrier－Belleuse)工作室，当时作品皆需刻上卡里埃签名，罗丹为了多攒些钱，所以利用晚上雕塑一些女性胸像，然后刻上自己的名字出售。苏珊即为此时之作品，强烈敏锐的洞察力，勾勒出苏珊温柔婉约的表情，精致的脸孔，极其腻人，轻柔的卷发系上柔软的丝带，高贵的气质从作品中一吋吋浓郁的散发出来，堪称罗丹创作生涯中精彩细腻的早期代表作。

【坚忍的母与子】 "Mother and Child"
亚堤里欧．皮奇瑞利（义裔美籍，1860~1945）
此作曾于1915年在旧金山参展中获金牌奖。现今置于纽约中央公园的Columbus Circle入口作品乃为放大版本之作。作者大部份作品是以大理石或木材，但也有少数以石膏和青铜铸造的。此件作品描写受尽委屈的孩童，紧紧依偎在母亲的关爱的胳膊里，孩子好似找到安全的慰藉，哭泣倾诉与母亲温情的垂问，形成一个对应无间、自然写实的母子连心之实体。

【运动员】 "The Athlete"

唐纳多．巴卡里亚（意大利，1849~1930）
来自米兰学院的巴卡里亚，在他十七岁首次参展时，创作才能即被肯定，他的创作风格深深受到卡诺瓦 Canova 影响。此作「运动员」完成于1898年，当年曾在米兰展出，并于1902年在圣彼得堡参展时嬴得首奖。其造型是来自于希腊英雄赫丘力斯（Hercules）的构思，不但融合了高度的写实技巧，更是兼具理想美的作品，是作者巴卡里亚生平最具代表性的创作。

【爱神与赛姬】 "Cupid and Psyche"
裘里欧．贝冈左里（意大利，1822~1868）
相传赛姬拥有絻世的美色，使得维纳斯大为嫉妒，遂令儿子丘彼特用他那无可抗拒的箭，使赛姬爱上最丑恶的怪物，没想到连丘彼特也被赛姬的美迷惑而跌入爱情的漩涡之中。此件雕塑呈现丘彼特轻盈地浮在空中，温柔的吻着赛姬，丘彼特、赛姬双人形成X形的姿势，上扬的动态，传达出传说中缠绵爱情的浪漫，是意大利雕塑家贝冈左里的代表作之一。

【女孩系列】胡恩．克拉拉（西班牙，1875~1957）
胡恩．克拉拉以自然且生动传神的技法，雕出孩童纯真可爱的本质，更不忘以诙谐的手法呈现出孩童顽皮淘气的一面。这四件相继完成于二十世纪初，在动作上彷佛有其联贯性，件件趣味横生，不失童真。
四件作品描绘一位好吃的小女孩坐在高椅上，她被眼前高处的饼干吸引住了，急着想站起来，没料到却滑落下来，心想干脆换张椅子再试着爬上去，可是她又担心会被妈妈发现，不禁频频回头，总算平安无事的站在高椅上了。这下子她又伤脑筋，因为眼前好吃的东西太多，真不知要挑哪一样？结果才想好好地享用手中这块得来不易的饼干，居然狗儿也来势汹汹，紧紧咬住她的裙摆。细细品味这四件淘气女孩作品里的小动作，相当可体会童心的可爱之处。

B. 树脂雕塑品有何特点

树脂工艺品是一种即实用又具有很多的艺术特点，进而手工加工成的一种艺术版，虽然这种工艺品是由很好的权石材加工，但是在制作过程中能够享受其中的乐趣。一般情况下，这种树脂工艺品的使用制作材料包括：树脂、时分、色膏、等可以当做材料进行填充。

树脂工艺品指的是一种使用树脂作为主要的原料，经过加工进而形成的。通过各种技术进而制成了很多的形象逼真的人物，动物，山水画等等，这样就能够表明现在这种工艺术的各种艺术特点。

随着社会的发展，技术水平的提高，让现在的这种工艺品能够很好的使用，同时更能够展示出这种工艺品的艺术奇特。现在伴随着社会的发展，艺术的成熟，进而出现了一些仿真雕刻，通过各种雕刻方式，进而展示出了更多的艺术，园林艺术，城市雕塑，景观雕塑等等大型的艺术都能够体现。

根据现在艺术的不断地发展，完善，再加上一些想想里，更能够体现出艺术的各种风格。树脂工艺品主要就是包括：动物，人物，卡通，宗教，节日，各种相关艺术造型，喷泉等艺术，体现出了各种艺术品与生活的相结合。更能够表明现在艺术方面的各种特点。

C. 雕塑论文

这是我的论文，我也是雕塑系的（河南）你可以借鉴

论霍去病墓石雕艺术风格

--从秦兵马俑到汉霍去病墓石雕风格差异
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摘要：对秦代兵马俑和汉代霍去病墓石雕群造型语言的艺术特征进行比较，以二者艺术风格的差异为切入点，通过对比分析古代"胡人美术"的艺术特色，找出霍去病墓石雕在造形语言上与"胡人美术"的共通之处，以图像学、文化人类学的方法分析讨论，得出结论：汉代霍去病墓石雕艺术风格形成的真正根源于对古代"胡人美术"造型语言的吸收和运用。并将霍去病墓石雕作为大的时代背景下的一种美术现象，进一步以历史的、文化的视角看待艺术语言在形制表现上的发展与演变。
关键词：兵马俑；霍去病墓；胡人美术；民族心理
在世界艺术史上，中国古代美术可谓是整个东方美术的代表，中国美术以其独有的艺术特色在世界艺术之林中独树一帜，在人类文化发展史中，数十种古老人类文明相继消失，而中国美术的艺术特色经历了数千年的风雨洗礼，仍旧保持了其自身的独特的艺术内涵，这和中国美术的传承性是不无关系的。纵观整个中国美术的发展历程，艺术形式、风格特色的发展与变迁都有其特定的时代特点和文化根源，朝代变迁、外来文化的融合，都对中国古代美术的形式与风格或多或少地产生了影响。通过对各时期的美术作品的分析，我们也都能从美术作品本身的风格特点上找出上述的成因。然而，当我们把目光聚焦于秦汉时期的艺术作品时，却发现在漫长的历史长河里，秦汉短暂的朝代更替，艺术的形式与风格却发生了很大的变化，甚至很难找到其历史的承袭性，尤其是在秦汉时期的雕塑作品上，以秦代兵马俑和汉代霍去病墓石雕为例，在这一点上体现的尤为突出，前者严谨写实，尽极人工之美；后者粗犷夸张，有如浑然天成。很多美术评论家、史学家都做过相关领域的研究，也都以历史的、文化的角度寻找其差异的成因。而笔者认为，就其整体艺术风格的差异性，应更多的从造型语言本身和民族心理等角度进行分析，进而找出其差异性的根源所在。设计在线.中国
1．秦兵马俑
在秦代以前，中国美术在造形艺术领域里最大的成就体现在青铜艺术上，而雕塑则更多的表现为青铜工艺的附属装饰，极少出现大型独立的雕塑作品。整个先秦时期的雕塑展现的是一种稚拙、神秘的艺术特色。秦兵马俑的出现改变了这种艺术特色，秦统一六国，集天下之权于一人之手，势必在政治、经济、军事等各个层面昭示其权力之大、地位之极，而这些影响必将在艺术领域得以沉积，最具有代表特色的便是兵马俑了。其鲜明的时代和艺术特色宣告了中国古代美术在艺术风格发展上一个新的开端。秦兵马俑一改前代雕塑夸张、神秘的艺术风格，并使雕塑从工艺美术中脱胎出来，以独立的艺术形式展现在世人面前。无论严谨写实的艺术手法，还是空前宏大的规模，都蕴含了崭新的艺术精神。秦兵马俑的创作手法相对写实，结构严谨，雕塑的比例、大小都较为真实地再现了客观的人物形象。秦兵马俑的人物形象逼真，可谓是一千个陶俑一千张面孔，并且人物的衣着、年龄、地域、职务的细微差别都被很好的表现出来，其庞大的群体阵容，整齐的阵列形式展示出秦代强大的军事实力，同时也代表了中国在当时精湛的艺术水平[1]。
2.霍去病墓石雕
秦王朝的建立具有划时代的意义，它统一货币、度量衡、文字，甚至希望在思想文化上能够一统天下。但艺术的发展是多元的，秦王朝覆灭的几十年后，中国在艺术发展上很快的跨入了一个新的时代，霍去病墓石雕就是这一时期的杰出代表。《马踏匈奴》是霍去病墓石雕群中最具代表性的一件作品，作品中战马威武雄健，傲然挺立，敌人蜷缩于马下，垂死挣扎，与整个马的轮廓浑然一体，暗示匈奴必败的命运。石雕采用整石雕成，形式语言简练、夸张，在形体大的转折处进行了大胆而简洁的削凿，并在细节表现上采用了浮雕和线刻的手法，使得整个雕塑更加雄浑大气，充满生命力。马下的匈奴人的特征处理上具有一定的代表意义，虽然整个人物形象造型简练，但在发式和胡须等面部特征的处理上进行了夸张的刻画，体现出了当时汉人对胡人形象特征的理解和认识。值得注意的是，雕塑的马上并没有将军的形象，而这一点却恰恰体现出了汉代雕塑之美的内涵--意至而形不至。艺术家以立马的彪悍和马下匈奴人的狼狈来暗示马上将军驱敌胜利的威武姿态，给人以无限的想象空间。可以说，这件雕塑作品所展示的既不是彪悍的战马，也不是垂死的匈奴人，它所展示的更多的应该是马上战功显赫、所向披靡的青年将军，甚至是整个大汉王朝国力的象征和代表，这也正是汉代雕塑艺术的重要特色--形式语言的象征性。霍去病墓石雕群的其他雕塑的造型语言也都应归结于此，《跃马》、《伏虎》等等都并非表现的是马、虎，而是用来象征青年将军戎马倥偬的一生。整个雕塑群以简练、夸张的形式语言，展示了一种深沉雄大的气魄，使人仿佛置身于金戈铁马的战场，感受大汉王朝的巍巍国势。设计在线.中国

图一 马踏匈奴
3.比较分析秦兵马俑和汉霍去病墓石雕
很多美术史类书籍和相关评论都将秦、汉雕塑归为一类，但实际上，秦、汉雕塑无论在文化根源上，还是艺术表现形式上都有很大差异，不应这样一概而论。秦代兵马俑的艺术表现手法是写实的，汉代霍去病墓石雕是夸张变形的。虽然二者都采用了线刻的表现手法，但兵马俑与霍去病墓石雕是完全不同的，前者精细而准确，主要是承袭了先秦时期青铜工艺某些形式语言；后者大气且简练，与整石完美结合，有如天成。通过对二者形式语言的比较，现做以下分析说明：
3.1．传统认识 www.dolcn.com
目前较为普遍的说法有两种，一种认为，秦统一后，将六国能工巧匠聚集于咸阳，人才雄厚、技艺高超，所做出的作品严谨、精致是理所当然的，工程完工后，大半匠人被坑杀，这必然造成秦、汉之间的师承上的断代，汉代的雕塑水平也不可能不受到影响。这就会或多或少的成为以霍去病墓石雕为代表的汉代雕塑在写实层面上要远不及秦代雕塑的一个重要原因。第二种说法认为，秦主要继承的是中原的周文化，崇尚朴实无华，在艺术表现上更倾向于现实主义表现手法，而汉主要发展了楚文化，充满对宇宙人生的奇异幻想，富有浓厚的浪满主义色彩[2]，造型简约抽象（如图一、图二），这就形成了秦、汉之间在艺术表现上一个趋向于写实，一个趋向于写意的又一个原因。但笔者认为，从当时的历史来看，还有可能存在一种更为重要的原因--民族心理因素。

图二 卧马
3.2．新的观点
匈奴兴起于公元前三世纪，战国时期，匈奴主要活动于燕、赵、秦北部地区，秦汉之际匈奴各部统一，逐渐强大起来，控制了大漠南北的广大地区，并在汉初不断南下扰汉，成为威胁当时汉朝统治的最大疾患。长年的战争使得汉朝和匈奴之间的积怨很深，并且，长期以来，汉朝对匈奴在战争上一直都处于劣势，直至汉武帝时期这种势态才得以扭转，而霍去病就是扭转这一势态的重要功臣之一。战争格局的变化使得汉朝终于可以扬眉吐气地面对匈奴，在这种前提下，霍去病这一影响汉、匈战争格局的重要功臣必然会受到汉武帝的极大赏识，而他的陵墓也必然是汉朝对匈奴彰显其国力的重要纪念性符号。因此，汉朝在当时势必会认真选择表述这种符号的艺术语言。而这种符号的艺术语言无外乎两种选择，一种是华夏族本身的艺术语言，另一种便是匈奴族（胡人）的艺术语言。让我们回味一下霍去病墓石雕所运用的艺术语言，比较一下它与前代各朝或同朝代在艺术特色上的差异，我们会看出，无论是秦兵马俑的严谨细致，还是马踏飞燕、长信宫灯的纤巧灵动，我们真的是很难找到霍去病墓石雕与前后二者的共通之处，一个民族的艺术语言的发展在短短百年之内发生这样大的变化是极为罕见的。那么，我们能否假设这样一种情况：霍去病墓石雕所采用的艺术语言并非华夏族本身的艺术语言，而是采用了当时胡人的艺术语言，面对胡人炫耀青年将领的赫赫战功，昭示大汉王朝所向披靡的军事实力。我们来看下面的图片：

图三 透雕双驼纹铜带饰

图四 武士形石人

图三是匈奴人的革带装饰物，主要运用了浮雕和线刻的表现手法，图像中的两个骆驼造型夸张大胆，充满野性与动感之美。特征最为明显的是图四《武士形石人》雕塑，这是新疆草原上的很多石雕中的一件，在中国古代，新疆草原地区长期都被认为是胡人居住区，无论是汉代的匈奴，还是唐代的突厥，这一地区一直以来都处于胡人的势力范围。那么，这里的古代艺术作品，无论从造型特征上，还是表现手法上都应体现古代胡人的艺术水平和特色。让我们解读一下这件作品，质朴简约的圆雕造型与洗炼粗犷的浮雕、线刻方法的结合，与《马踏匈奴》相比较，两件作品仿佛出自一人之手。尤其在人物手臂的刻画上，无论是手臂的造型还是线刻与浮雕相结合的运用，都体现出一种极为接近的艺术表现手法。具有如此惊人相似的艺术表现力的两件作品，竟然出自两个不同民族，有着不同文化背景和生活习惯的艺术匠人之手，简直是令人不可思议的，难道仅仅是一种巧合？我们回过头，看一看汉代以前中国美术图形语言的发展和演变的过程，从商周庄重浑厚的青铜工艺到春秋战国色彩纷呈的漆器造型、装饰[3]，再到秦代严谨、宏大的陵墓雕塑，都很难找到汉代霍去病墓石雕造型语言形成的艺术根源。那么，一种更大的可能便是这种艺术语言不属于传统的华夏族文化，而是来源于外族文化--胡人文化。当时的汉王朝正是以这样一种属于胡人的艺术语言来向胡人宣告自身的胜利、炫耀其伟大的历史功绩。而这种艺术语言的使用根源于当时时代背景下的一种民族心理，正是这种民族心理的作用，才使其艺术语言在功能表述上更具代表性和说服力，从而最终形成了霍去病墓石雕群不同以往的艺术特色。
4．结语
霍去病墓石雕群的出现虽然只是美术史上一瞬间的片断，但通过对其艺术风格形成的分析中我们可以看出，对于一种美术现象，如果不通过历史学、文化人类学和图像学等多角度的分析和判断，是很难找到其艺术语言产生的根源的。同时，我们也能看出，艺术的发展和演变往往不是其自身单线的延续与成长，更多的是不同文化之间、不同艺术种类之间的相互交叉和影响作用的结果。汉代雕塑的造型语言在引入外来艺术的同时，必然也对自身的艺术风格产生影响。在汉朝几百年的统治期间，通过在思想文化领域的统一，以及艺术风格与形式上的吸收、综合与演变，形成了影响深远的汉文化。而汉文化在其后两千年的发展演变的过程中仍延续了这样的一种发展变化的趋势，无论是内部的少数民族文化还是外来文化，都被一点点地吸收、同化、综合，最终在世界领域形成了今天灿烂辉煌的华夏文明。
参考文献：
[1]王子云：《中国雕塑艺术史》，北京，人民美术出版社，1988年版，第25页。
[2]李福顺：《中国美术史》，沈阳，辽宁美术出版社，2001年版，第174页。
[3]田自秉：《中国工艺美术史》，上海，东方出版中心，1985年版，第110页。
作者简介

D. 求一篇关于雕塑的论文3000字的

雕塑作为人类最古老的艺术形式之一，以其独特的魅力渗透于社会生活的方方面面。雕塑艺术以一种物质形态与意识形态相交融的方式存在着，它以静态的美传达艺术家们的思想情感与审美理想；而两种不同的历史与文化背景，使同一种艺术形态形成了各自独特的艺术风格特征。本文从题材、表现手法、造型手法、材料的运用等不同角度，对这两种艺术风格之间的差异进行分析、归纳和比较，并作以简要评述。如果说历史是人类谱写的一部气势宏伟的交响曲，那么雕塑艺术就是其中一部精致而独立的乐章。雕塑是造型艺术种类中最早出现的重要的艺术表现形式，也是建筑艺术以外的另一种表现实体空间的艺术。雕塑是有三维空间的由人类创造的存在于实际空间的立体形象。像米开朗基罗的《大卫》、罗丹的《思想者》、中国的四大石窟、兵马俑等都是极具代表性的作品。雕塑永远表现动态，甚至完全静止的雕像也被看作具有一种内在的运动，一种不但在空间、也在时间上持续的伸展的状态。人们可以从这一瞬间的造型中想象静态向动态的转变，想象行为的连贯，持续的活动过程，从而体味出它的活力和精神，体味出它的冷冰冰的物质材料后面的体温和感情。雕塑是可视的、可触摸到的并能反映一定意识形态及较高审美意义的实体。雕塑艺术是世界艺术宝库中一颗璀璨的明珠，也是根植于自己民族传统文化土壤上的一颗常青树。
在人类的文明史上，东方文明与西方文明是两大最鲜明的文明。尽管两者都产生于奴隶制和封建制这同一种社会基础上，都受制于人类思维发展和文化艺术发展的一般规律，但由于社会历史条件、文化传统、民族审美心理的差异，故而在雕塑艺术上形成两种各具特色的艺术风格。

一、题材差异

中国社会是一个农业社会，中国田园牧歌式的乡村文明，使人与自然及生态系统始终保持着和谐的关系。因而中国早期雕塑题材以动物为主，《四羊方尊》、《莲鹤方壶》等就是其中的杰作。自佛教传入中国以来，宗教佛像也成为中国传统雕塑的表现对象之一，最有名的当推云岗石窟、龙门石窟、麦积山和敦煌石窟这四大雕塑群，此外还有大量的寺庙造像。同时在中国厚葬习俗的影响下，君主及达官贵族大势修造陵墓及陪葬品，使得陵墓雕塑成为中国雕塑艺术上的又一珍宝，最具代表性的就属秦始皇陵的兵马俑。
对比之下，西方的社会基本上是一个宗教性的商业社会，城市化的生产培养了西方人的外向性和冒险性的性格，再加上海上，陆路交通发达，同东方交流广泛，这一切都有利于科学、文化和艺术的发展。神话传说是两方雕塑题材之一，如希腊人认为每一种自然现象都是神的力量显现的结果，人和神是同源的，神就是人最完美的体现，神同人一样有血有肉，有喜怒哀乐。不同的是他们长生不老、神通广大而已。就在这样一个环境下产牛了关于缪斯、阿波罗为主神及其统率下的缪斯的神话。
对人体美的表现也是两方雕塑家们的又一题材。体育竞技和大型的敬神是古希腊社会生活的一项重要内容，体育竞技大多以裸露身体的方式进行，这也许是为了在竞技比赛的同时显露强悍，优美的体型。这种社会风尚的流行无疑给雕塑家提供了一个很好的观察和创作的环境，给比赛胜利者雕像也成为雕塑家的一项任务。如米隆的《掷铁饼者》。

二、精神追求上的差异

在中国人看来，主体与客体相通、感性与理性共融，视“天人合一”为宇宙观核心，相信天人感应、天人相类。这种思想的必然结果即自然的入化和人的自然化，确信人们心中所要抒发的东西，都能在宇宙世界找到相应的事物，并以其恰当的方式表达出来。汉代霍去病的陵墓，墓前有十多件石雕，如马踏匈奴、跃马、卧马、卧牛、伏虎、野猪等。其中最具代表性的就是《马踏匈奴》。为了表现霍去病的赫赫战功，作者别出心裁的雕造出一匹气势轩昂、庄重雄强的战马，马的神情果断沉着，仿佛在时时刻刻警惕着，防止被踢翻在地的匈奴败将挣脱而逃，体现出霍去病“匈奴未灭，无以为家”的坚定意志。虽然没有直接雕造霍去病的形象，但是通过《马踏匈奴》整个作品不难体现他的品格与精神，使人联想到英勇无敌的青年将军，似乎听到击败匈奴的胜利呼声。其它石雕也分别体现出将士们不顾艰险，浴血奋战的英雄气概。
《昭陵六骏》是唐太宗李世民生前所乘六匹战马的雕刻形象，艺术家概括地塑造了六骏的立、行、奔、驰的健美姿态，并显示六匹骏马那英勇而温顺、刚毅又善良的性格。造型饱满剽悍，神韵充沛飞扬，层次转折有力，在外光映射下富于变化，具有节奏感。雕刻的是马反映的是人，象征唐太宗李世民的品格，歌颂了李世民的伟业丰功。
除了表现人的精神品格和功绩外，也成为体现当时统治阶级权力的载体。例如清代十三陵，墓前的石象背加鞍鞯，上托宝瓶，头施笼佩，四足平衡，完全依照皇帝的仪仗，其寓意为“太平有象”——动物失去了自身的个性特征和活力，成为皇权的象征。
以上以物喻人，“天人合一”的例子在中国雕塑艺术中举不胜举。而西方则在征服自然的过程中突出了人的意志。西方雕塑的表现题材基本上是以人体为主，就算是神话人物也是以人为衣钵，体现人体的美。每个时代的雕塑家几乎都共同关注人体与精神的统一。如古希腊雕像就是通过人物整体，在单纯与静穆中显示出一种理想的美。黑格尔说过，“希腊民族性格的特点在于他们对直接呈现的而又受到精神渗透的人身的个性具有高度发达的敏感，对于自由的美的形式也是如此，这就使得他们必然要把直接呈现的人，即人所特有的受到精神渗透的躯体，作为一种独立的对象来雕塑，并且把人的形象看作高于一切其他。形象的最自由的最美的形象来欣赏。”①(注：参见〔德〕黑格尔著，朱光潜译《美学》第三卷（上册），商务印书馆，1996年版，第158页。)

三、表现手法上的差异

雕塑是三度空间的立体造型艺术。雕塑品的实际体量与绘画的虚拟体量从视觉感受上是不一样的，绘画中的虚拟体量要达到雕塑的实际体量是完全不可能的，这也就是雕塑魅力所在，它以各种不同的表现手法带给人的视觉冲击和震撼是其它艺术形式无可替代的。
作为精神的实际存在，西方人体雕塑在“理念”世界的支配下具有了自身的独立价值，它不是凭借自然景物的烘托，而是凭借光线与阴影的变幻以展现形体的空间实在性，因此西方人体雕塑是严格意义上的空间艺术，在20世纪以前，希腊雕塑的物理性的立体空间概念，成为西方雕塑家共同参照的范式。
中国美学突出强调情景交融，虚实相生，艺术家们共同追求着那种“天地浑溶一气，明暗高低远近，不似之以似之”的境界，营造着“往不复，天地际也”的独特空间。北京天坛的圜丘面对着一片虚空的天穹，以整个宇宙作为自己的庙宇，反映出中国人与生存方式密切相关的时空互渗的空间意识。因而中国的雕塑往往不是以孤立的实体出现的，而是尽可能采用“借景”、“虚实”等种种方式，以求与自然景象合为一体。那些石窟造像多是通过背景热烈激昂的雕绘故事的陪衬和烘托，而显得更加宁静和睿智，从而弥补了独立的圆雕在表现空间容量方面的局限性，构成了一个空间形式包含时间节奏和动感的艺术世界。唐代的帝王陵墓所确立的“以山为陵”的体制，使陵墓、陵前雕刻与自然起伏的山势巧妙结合，令观者“身所盘桓，目所绸缪”，西方那种瞬间直观把握的空间感受在这里变成长久漫游的时间历程。

除了空间表现手法上的差异，中国雕塑以写意为主的表现手法与西方雕塑的写实性表现手法也形成反差。由于中国雕塑很晚才与实用美术真正分离，在漫长的岁月中，雕塑大多只是实用美术的一种装饰手段。装饰不求再现，只追求表现物象，因此形成了中国雕塑不求形似，只求神似的特征。不讲究描摹写实，在塑形上注重写意传神，气韵生动，虚实相生，“神似胜于形似”，这种中国式的美学观念可以说贯穿了整个古代雕塑史，即使有时表现出一定的写实性，也只是比较细微而已，在本质上依然属于意象性造型。正因为中国艺术以表现、抒情、写意见长，追求艺术意境，中国古代雕塑也具有浓郁的东方情调和意境特色。“所以汉代那些女陶俑会有着细柔的腰肢，有着如盛开的喇叭花一样美丽形状的裙裾和翩翩起舞般的拂袖姿态；所以敦煌北朝的彩塑佛像会有着不可言说的微笑，并且在这微妙的笑容中透露着内心的智慧和远离尘世的洒脱风采；所以敦煌唐代的彩塑菩萨会有着如血脉在流淌搏动的肌肤和薄如蝉翼的透体天衣；宋代晋祠的彩塑侍女会有着美人鱼一般的身段。”而我们在欣赏的时候，必须使用我们本民族的艺术标准和审美习惯，才能够真正感觉中国古代雕塑“以形写神”的艺术效果。
而在西方，就雕塑而言，他们建立了人类历史上独一无二的写实性雕塑。这种写实性雕塑风格的产生是由于“模仿说”的明确提出。古希腊的哲学家亚里士多德认为最好的艺术必须“照事物的应当有的样子去模仿”。而模仿是人的“一种自然的本能”。强调对外事物的模仿和反映是发端于古希腊的西方艺术传统。“模仿说”如同一面镜子，反映视觉的真实。如《米洛的阿芙洛狄特》与《大卫》都是对人体的真实再现。并且，围绕着人体塑造，古希腊令创造出一系列的标准法则，如1：7和1：8的人体比例。文艺复兴时期又创立了透视学和解剖学两大成就，有些雕刻家如多纳太罗、米开朗基罗等还亲自动手做人体解剖实验。这些都是为了能更好、更准确的模仿自然，更完美的刻画雕塑形象而服务的。

四、造型手法的差异

中西雕塑艺术家都重视线条的表现力，重视以线条造型为共同的媒介，而西方的用线仅服务于造型。黑格尔认为速写或草稿卓越的表现了画家的天分及其特点，安格尔认为线和形愈简练愈美和有魅力。可见线条对画家的造型所具有的重要作用。对雕塑特别是圆雕来说，线的因素更是不见其痕迹，雕塑家刻意追求的是团块和体积、重视三维空间的立体效果，素描中的线条只是充当表现这种效果所界定的轮廓线。米开朗基罗曾说过，一个好的雕刻作品即使从山上滚下去也不应有一处磨损。中国古代雕塑和绘画都来自于原始实用美术，从彩陶时代起，绘塑便相互补充，紧密结合。中国雕塑不仅吸收了绘画的线条色彩的特点，而且还习惯在雕塑上绘色描线。中国古代长期绘塑不分家，而且对绘画更为重视，因而雕塑具有了明显的绘画性。这种绘画性导致中国雕塑区别于西方雕塑追求团块和体积，因而是线条在雕塑中发挥重要的造型辅助作用。雕塑家“运刀如运笔”，通过富有弹性而又丰富多变的线条，或表现飞奔的情态，如汉代的“四灵”瓦当、龙门莲花洞中的飞天等；或表现不同质感；或表现不同体型；或表现不同个性……。总之这种“净化了的线条”既体现了各自的时代风格，又具有各种不同的功能。行云流水，骨力追风，刚柔相济，状物抒情，充分展示了中国雕塑中线条的灵活性和自由美。
另外，中国古代雕塑还喜好在雕塑上绘色。如新石器时代的彩陶艺术、战国的随葬木俑、汉代的画像砖石，唐宋的“影壁”形式，无不是塑绘与雕绘相结合的产物。晋唐以来的佛教塑像更具有绘画的风貌，莫高窟盛唐时期的彩绘菩萨，设色浓艳华美，体态雍容华贵，生动的表现出盛唐时期的贵族妇女的风度神韵，这种艺术效果充分显示了中国雕塑家的创造才能和民族特色。这与西方雕塑很少设色区别也很大。在这方面，西方雕塑与其它门类艺术之问有着严格的界限以及各自独立的表现方法。从古希腊时代直到20世纪之前，西方雕塑作品很少有设色者，中间仅18世纪法国“洛可可”风格产生时，出现一丛敷彩的建筑装饰雕像，以适应王室贵族的审美趣味和感观享受。但那种净素妍雅。强调光影感的大理石刻雕塑则长期占据主导地位。西方雕塑家大多尽力排除从色彩的优越性中择取绘画的辅助方法。法国雕塑家法尔孔奈说过：“如果雕刻能保留在自己确定的范围之内，它就不会丧失自己任何一项优点；但是，如果它要使用绘画的全部手段，它就会受到失败的威胁。这两种艺术各有各的表现手段，色彩不是雕刻的手段。”

五、材料的差异

雕塑是使用真材实料来实现作者的创作意图的。材料不仅有坚硬的质地，而且也能像色彩一样借物传情，发挥和延伸设计者的思想。如花岗石的坚硬能使人产生出坚如磐石之感；大理石的洁白能使人产生出纯洁无暇之感等等。罗丹的作品大家都熟知，在他的雕塑作品中，可以看到作者彭湃的激情。他那双天才的手用泥土塑造的肌肤下似乎流动着生命的血液，假使没有以能保留住作者手印的青铜来铸造，那么可想而知我们将无法欣赏到这动人的一幕。
在雕塑材料的使用上，中国雕塑较之西方尤为丰富，如土、木、石、玉、铜等等，其中以与自然密不可分的土木居多。从仰韶文化的人像陶塑到长沙汉墓中的彩绘木俑；从秦陵兵马俑到唐代木雕迦叶像，从敦煌莫高窟的彩塑菩萨到明清时代的小品雕刻，皆体现出中国人对土木的依赖性和亲切感。西方由于工商文明的发展而较早地摆脱了人对自然的依附性，在雕刻材料的选择上也较早地扬弃了土和木的利用，在雕刻材料的选择上创造了以石雕为主流的雕塑艺术史。
总之，中西方历史与文化背景的不同特征，决定了西方艺术的注重写实性与而中国艺术崇尚写意性的两种不同审美取向；同时在造型手法和材料等运用上也造就不同层度的差别与异同。中西雕塑艺术虽有风格特征之别，但无优劣高低之分，以上只是对各自风格与观点的评述，有助于更深入地了解雕塑这一艺术领域的奇葩。

E. 雕塑系毕业论文

浅析雕塑与环境融合在《路》中的实践论文,这里可以的，简单.

F. 求一篇1000字以上的雕塑小论文

我眼中的罗丹

一提起罗丹，我便不想去谈论他有关雕刻的技法和形式的精妙，不想去讨论他对人体解剖结构的了如指掌，更多的是去感受作品本身所传达的本能和情感的真。
罗丹是真正让我感动的一位的艺术家，而不仅仅是一位雕塑家。他的一生是被人攻击和嘲讽、同时亦为人理解和支持的一生。但他始终以一种伟大的人格正确地面对这一切。罗丹一生攀登，并终于登上米开朗基罗之后的又一高峰。罗丹坚信：“艺术即感情”。他的全部作品都证明了这一观念，都深刻揭示了人类的丰富情感。他之所以伟大，不在于有多么高深玄奥的思想观念，而是他个人对于个体生命的理解与这个充满悲意世界的哀叹,从而创造的那一尊尊透人心魂的雕塑所散发出的壮美的气息、无与伦比的力量和生活的真。
他偏爱悲悯或是感伤的主题，善于从残破中发掘出力与美。例如《加莱义民》《地狱之门》《思想者》《欧米哀尔》《乌谷利诺》等等作品。
《欧米哀尔》曾是一位年轻貌美、姿色过人的妓女，而她对如今的丑陋感到羞愧！
《罗丹艺术论》中这样描述着：“他雕塑的那个比木乃伊还要皱缩的老妓女，正在悲叹她的衰老的身体，她弯着腰，偎踞着，移动着绝望的眼光。在两乳和干瘪的胸膛上，在布满可怕皱纹的肚子上，在那长满筋节犹如枯干的葡萄藤的臂上和腿上……”自古希腊，罗马以来，所有雕塑家创造的女性形象都以丰满圆润优美的造型给观赏者提供视觉上的审美享受，诸如《维纳斯》。当然，由于历史、宗教、美学等一些社会环境因素会自然而然形成“以胖为美”的审美观念，于是古典雕塑始终批着一层神秘的面纱。惟有罗丹的这件作品令人目不忍睹，可是它却是罗丹雕刻艺术的杰作，是他独特美学思想的体现。罗丹认为“在自然中一般人所谓‘丑’，在艺术中能变成非常‘美’” ，“在艺术中，有性格的作品才算是美的”。自然中人们认为“丑”的往往要比那些认为美的更能显露出她它的性格，因为内在的真实在愁苦的病容上，在皱巴秽恶的瘦脸上，在各种畸形和残缺上，比在正常健全的相貌上更加明显地展现出来。罗丹先生正是从又老又丑的妓女身上，挖掘出她内心世界的痛苦和灵魂深处的悲哀。

G. 求一篇雕塑方面的原创论文，3000字以上

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H. 树脂雕塑制作流程揭秘

树脂工艺品是现在比较流行的一种工艺品，树脂雕塑是树脂工艺品中的一种，树脂雕塑的主要原料是树脂，通过一定的工艺流程，将树脂制成雕塑。树脂工艺品在生活中其实是非常常见的，很受顾客的欢迎。家里常见的小摆件、玩具等，有很多都是树脂工艺品。那么，树脂雕塑的制作流程是什么样的呢？下面小编就为大家介绍一下树脂雕塑的制作流程。

树脂雕塑制作流程

一、准备工作

预备一杆称(5公斤的称)，调料桶(或塑料盆)，搅拌饭(或竹筷)，小勺(塑料、铝、瓷勺均可)。

二、拌料

根据模具的大小、所制产品的数量，先将不饱合树脂称量出来，(合)倒入调料桶，然后将固化剂按：促进剂的比例添加，先将固化剂加入不饱合树脂内，进行充分搅拌，再加促进剂进行搅拌，充分混合后，加入稀释，(同样进行搅拌)然后根据所需颜色添加料，(颜料的用量可根据品种的不同进行加减，达到所需程度为止，一般用量为大的颜料即可)添加颜料时用将颜料用树脂化开，在内进行搅拌，均匀后倒入料桶再进行充分搅匀即可，底料搅拌后添加，添加时要随搅拌随添加，直到所需程度为止。(调好的混合料浆应是粘稠状以用勺舀起倒下后能缓慢流淌)

三、倒模

模具应摆方平整，(水平状态)模具内模面应清洗干净，这样就可以浇制了。浇制时用小勺舀料浆一勺一勺的缓缓倒入，不可倾倒，要从最高点倒进，使其自然流淌，这样就可以把气泡挤走，否则，成品后会有气孔。注意倒入模具时不能溢出模具外围，倒出外围后，应立即清理，铲除，否则成型后需再加工、打磨。料浆倒入模具后经1-2小时即可凝固，凝固后即可脱模

相信通过小编的介绍，大家都已经了解了树脂雕刻的制作流程。树脂雕刻所呈现的内容非常具有灵活性，从人物、到动物、到花草，只要能想到的形象，树脂雕刻都可以做到。在颜色上，树脂工艺品也有比较大的跨度，仿水晶、仿玛瑙等，都可以做到。所以树脂雕刻的可塑性其实是非常大的，还有很多的开发空间。相信以后再家装家饰行业，树脂工艺品也会得到比较广泛的应用。

I. 求一篇关于做雕塑的体会 2000字左右

1、圈。他走到你的面前，仔细地端详你，忍不住地发出赞叹：“好一块石头，适合做雕塑，带走。”

你无力反抗，被那几十个人带走了。经过一路的颠簸，你来到了一座城市。外面人声鼎沸，一片繁华的景象，而你的心里却没有一丝快乐，你记起了祖辈的话：“人类用我们去做很多东西，他们不把我们当生命看，遇到人类，你们的不幸就要到了。”那时，你不以为然地望着祖辈，心里想着去人类那儿好好地玩耍。你早就听说，在人类那里，生活很丰富。人类是个了不起的物种，那儿人才辈出。你很想去那儿。

可是，如今身在人类当中，你从内心里感到孤独，因为过几天，就要被送入工厂了，听说将要变成一个雕塑。你不禁潸然泪下。你的泪珠从眼角滑落下来，滴在脚边，人类却以为是一滩水。他们哪里知道，你也是有生命有感情的啊。

你被送进了工厂。一个个工人用力地在你身上一下一下地敲打着，时不时地从口袋中拿出一张纸，指指点点地看着。听旁边的石头说：“那是图纸。你以后将变成图上的那个样子。”你好奇地向图纸望去：好美啊！上面是一朵静静等待开放的花苞，还有一些文字和符号。

从那一刻起，工人的敲击对于你来说，不再感到伤心，不再感到害怕。你不再排斥了，因为从那一刻起，一棵理想的种子在你的心中深深地扎根了。当那一下一下钻心疼袭来，你忍着泪，咬着牙，任凭工人在你身上一下、一下、又一下地将你的身躯将你的肌肤一点一点地去除，在你身上刻着花纹......
关于自己的
一直以来都非常佩服有个性的人，觉得那样的人真实。于是幻想着自己某一天也成为一个有个性的人，于是心灵深处最直观的感觉终于发觉到了我想要的东西，于是我开始叛逆，开始我行我素，开始玩世不恭，一切的一切似乎让我再也找不到从前的自我了，终于有一天眼神里流露的不再是懦弱，不再是单纯，我用我的行为证明了我是一名强者，一切看起来似乎我是做到了，我似乎已经形成了属于自己的一种处事态度，一种考虑事情的思维方式，一种做事的行为模式。在一些人看来我是个很自我的，很有个性的人，甚至开始对我的行为做出种种评价，一切都是我希望看到的，因为这意味着我形成了自己的风格，至少是有了自己的特点，不再是以前的那个没有主见的孩子了，于是我为此感到自豪，觉得我找到真实的自我，找到了我的人生定位，于是我开始变的固执，倔强，桀骜不逊，骄傲的抬起头俯视世界的感觉真的很棒，在有限的范围内无休止的张扬着个性，一切看起来真的再美妙不过了。
但是当一个人开始有想法的时候，想改变自身生活状态，优化自我发展空间的时候，他会重新开始审视自己，分析自己，冷静的面对自己的一切。于是当我开始重新的观察自我，审视自我的时候，一种莫名其妙的自卑感开始爬上心头，原来那些让我一直自我感觉良好的性格在理智的眼光下竟然暴露出无数的瑕疵，一种早已注定的危机感突然开始笼罩我的内心，自叹于曾经的一些狭义的想法和肤浅的行为，这些无一不是阻碍自身发展的因素，这种突如其来的发现让我不知所措，甚至开始彷徨，但是同时我又是幸运的，幸运的是我已经意识到了这一切，一切都还有挽回的余地，我还有机会改变。
还清楚的记得，小学的时候老师曾经做过一个比喻，一棵小树成长成为一棵笔直健壮的苍天大树，期间需要不停的被剪掉那些长歪的或是杂乱的枝叶，这个过程对于小树来说是痛苦的，但是却是必须的。人也是一样，无论是谁，在通往成功的道路上所需要经历的历练是可想而知的，人只有勇敢的面对自己，屏弃自身的各种缺点，不停的完善自身的不足才能不断的朝自身的完美化不断前进。这个过程是需要付出代价的，也许会是比较痛苦的，对我来更是如此，自己从前从来都不敢也不曾面对的缺点被毫无情面的暴露在言语之中，虽然口气刻薄，对我的刺激也的确很大，但是我不会再和以往一样再试图去反驳什么，那只是回避事实的借口，我会认真的去听，会给自己足够的时间去思考，冷静的分析性格中的诸多弱点和自身的诸多不足，也许不会很快的想明白，但是我会一直去想，一直想到明白为止，然后就是去改正，尽我最大的努力去完善自我，为自己注入新的血液，因为我想要提升，想要进步，想要看到一个更完美的我，只有那样，我才会有机会找到我想要的一切，而不再只是在这里空想！
希望对你有帮助的！
但是参考了还是自己去想想修改一下，最好取长补短！